Alla Mediateca di Holon la più grande mostra di moda del Museo del Design di Holon: The Ball
La Mediateca di Holon presenta la più grande mostra di moda del Museo del Design di Holon: The Ball
Esplorando la relazione tra moda, sogni ed evasione
Curata da Ya’ara Keydar
13 luglio 2021 – 11 dicembre 2021
13 luglio 2021 – (Holon, Israele):
Il Museo del Design di Holon svela la sua nuova e più ambiziosa mostra di moda “The Ball” che attraversa l’intero museo. Utilizzando un approccio innovativo rispetto alle precedenti mostre di moda del Museo del Design di Holon, “The Ball” è un’esperienza teatrale multisensoriale che combina moda, suono, musica, scenario e illuminazione per mostrare come gli abiti del passato risuonino nel design degli abiti da sera di oggi. La mostra offre un’esperienza onirica piena di fantasia, creando connessioni tra la storia dei balli, la moda occidentale e le attuali creazioni dei principali designer israeliani.
Maya Dvash, Chief Curator del Museo del Design di Holon commenta il processo di ideazione del tema della mostra: “Quando abbiamo sviluppato questo tema, volevamo andare oltre la tradizionale presentazione di una mostra di moda e formare un nuovo linguaggio che permettesse ai visitatori di sentirsi come se fossero sia spettatori che partecipanti. Il mondo immersivo che abbiamo creato in questa mostra coinvolge i visitatori in modo tale che non possono rimanere indifferenti. Nel corso di questa esperienza a tutto tondo, la mostra solleva questioni riguardanti la moda, la cultura e la società israeliana e il dialogo che mantengono con i sontuosi abiti da ballo provenienti dall’Europa.
“The Ball” guarda alla moda del passato e del presente, esplorando le complessità intessute nel desiderio di opulenza ed evasione. Nel corso della storia, mentre i balli erano spesso riservati all’élite, le favole hanno rappresentato un passaggio al mondo dell’immaginazione, superando le divisioni e le barriere sociali. Attraverso un dialogo creativo tra il fantastico e il reale, la mostra invita i visitatori ad esplorare il ruolo della moda e dell’evasione nella vita quotidiana.
“Attualmente, Israele è la patria di centinaia di designer di abiti da sposa e da sera che riscuotono un successo internazionale, e non meno di un quarto dei designer che partecipano alla New York Bridal Fashion Week sono israeliani. Mentre lo stile israeliano è sinonimo di abiti semplici, comodi e quotidiani, l’industria della moda locale ha fatto degli abiti da ballo uno dei suoi prodotti principali. L’impressionante portata dell’industria israeliana degli abiti da sera riflette una sensibilità locale centrata sull’amore, e forse anche un profondo e potente bisogno di celebrazioni e feste, come una fuga dalla vita quotidiana, ponendo grande importanza alla celebrazione del momento”, dice la storica della moda e curatrice della mostra Ya’ara Keydar. Keydar prosegue: “La mostra ‘The Ball’ è dedicata alla capacità della moda di trasportarci in un mondo magico in cui tutto è possibile, anche solo per una notte. I sogni sono accessibili a tutti noi, insieme alla speranza di un lieto fine”.
La mostra espone circa 120 abiti da ballo che rappresentano sia design storici che contemporanei, che presentano materiali lussuosi accanto a quelli sorprendentemente riconoscibili. Oltre agli abiti, la mostra espone circa 50 accessori creati appositamente per la mostra dai principali designer israeliani, tra cui un paio di scarpette di vetro di Cenerentola stampate in 3D, e una collezione di cappelli ispirati ai dolci.
Galleria Inferiore
La Galleria Inferiore “Ri-cucire la storia del ballo” presenta ricostruzioni storiche create appositamente da mussola di cotone bianco sporco dalla designer e docente senior dello Shenkar College of Engineering, Design and Art, Moni Mednik. Queste ricostruzioni storicamente accurate dimostrano i drammatici cambiamenti nel design degli abiti da ballo e degli abiti da sera dal 18° secolo agli anni ’80. Questa galleria offre uno sguardo agli strati più sfuggenti degli indumenti – dai corsetti alle crinoline – quelli che le donne dovevano indossare per essere alla moda – mentre presenta anche i periodi in cui se ne sono liberate. Questa linea temporale rivela il modo in cui i significati di “pienezza” nella moda occidentale sono cambiati nel tempo, insieme alle questioni riguardanti l’esclusione, l’identità, l’appartenenza e altro.
Galleria Superiore
Modern Ball: Israeli “Couture” nella Galleria Superiore offre uno sguardo all’industria dell’abbigliamento da sera israeliana. L’esposizione presenta abiti dai colori vivaci creati da Alon Livne, che sono stati indossati da Lady Gaga e Katy Perry; un abito cucito da 15.000 vecchie monete israeliane, creato da Shai Shalom; l’abito da sposa di Ninet Tayeb, ideato da Victor Vivi Bellaish e Gadi Elimelech; abiti di tulle colorati realizzati da Shahar Avnet; un abito da sposa stampato in digitale ideato da Lihi Hod, e stampato da Kornit Digital; e un abito modesto, ultra-ortodosso di Brurya Haritan. Alcuni degli abiti da ballo in mostra ignorano intenzionalmente le considerazioni funzionali e commerciali, vacillando sul confine tra moda e arte.
La mostra presenta anche due progetti di Orwa Shareef, il cui lavoro combina una Cinderella’s Story Veil – un velo lunghissimo con ricami legati alla favola. Il secondo nelle culture arabe. L’abito ha le parole arabe Al-hubb deeni (L’amore è la mia religione) intrecciate sullo strascico, che riflettono lo spirito liberale della famiglia della sposa verso la religione.
Corridoio Periferico
Il Corridoio periferico presenta “Cuore di vetro: Un viaggio sulle orme delle scarpe di Cenerentola”. Questa mostra traccia le incarnazioni culturali della scarpetta di Cenerentola dalla Cina del nono secolo ai pensieri futuristici sulla principessa in forme sia femminili che maschili, usando modelli stampati in 3D. Collocare i modelli su una linea temporale presenta una storia dell’immaginazione – di ciò che Cenerentola potrebbe apparire nella mente di bambini e adulti durante diversi periodi di tempo.
La modellazione delle scarpe in 3D è stata eseguita da Assaf Reeb. La stampa delle scarpe è stata resa possibile grazie alla sponsorizzazione dell’azienda globale di stampa 3D Formlabs, e con il supporto di Systematics Israel.
Il breve riferimento all’abito da ballo di Cenerentola nella favola di Cenerentola simboleggia la frazione di secondo in cui tutto sembra possibile. Ispirato da questa metafora, Idit Barak, designer e docente senior allo Shenkar College of Engineering and Design, esplora il rapporto tra moda e tecnologia – guardando verso il futuro e allo stesso tempo rievocando il passato. Nella sua opera “11:59 PM”, Barak usa 10.000 metri di fibre ottiche per creare migliaia di punti luce che brillano nell’oscurità della Galleria Margalit e che si uniscono per formare la silhouette di un opulento abito da ballo. In quest’opera, Barak congela il momento fugace appena prima che tutto si dissolva, prolungando l’ottimismo e l’ingenuità del racconto magico prima che l’orologio scocchi la mezzanotte.
Design Lab
Image credits: Cotton Candy Hat (sinistra), Wedding Cake Hat (al centro), e The Cherry on Top Hat, designer: Maor Zabar, foto: Michal Chelbin
Come parte finale della mostra, “La Stanza della Panna Montata e del Cappellaio Matto” presenta il lavoro del modista Maor Zabar e del pasticcere Alon Shabo.
L’esposizione è incentrata su una “torta” alta 3 metri e sessanta, sulla quale sono esposti cappelli ispirati ai dolci accanto a sculture di torri di macaroon, torte nuziali, torte a più strati e biscotti, tutti fatti a mano con 500 chili di zucchero, polvere di mandorle, cemento e polistirolo.
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Note utili:
A cura di Ya’ara Keydar, curatrice della mostra e storica della moda
Direzione artistica e design della mostra di Shmuel Ben Shalom
Allestimento artistico e scultura dei manichini di Victor Vivi Bellaish, fashion designer
Ricreazioni storiche di Moni Mednik, storico del costume e creatore
Cappelli di Maor Zabar, designer e modista
Dolci di Alon Shabo, pasticcere
Colonna sonora della mostra prodotta da Itzik Cohen e dalla Jungle Sound Company Altoparlanti forniti da Morel, produttore leader di altoparlanti artigianali
Designer partecipanti:
Shadi Abed, Chen Adar, Shlomi Anteby, Rivi Avivi, Shahar Avnet, Idit Barak, Victor Vivi Bellaish, Berta, BOOBA MACHO by Karin Vasiluk, Hila Cohen, Luci David, Tatiana Davidov (Studio Tiamanta), Gadi Elimelech, Lia Fattal, Aviram Fima, Aharon Genish, Nimrod Gilo, Lee Grebenau, Brurya, Haritan, Nofar Hatuka, Lihi Hod, Iota Studio, Adi Karni, Ohad Krief, Galia Lahav, Ronen Levin, Rotem Levitan – Retema, Noam Levy, Alon Livne, Shady Francis Majlaton, Chana Marelus, Tal Medina, Moni Mednik, Yaron Minkowsky, Evyatar Myor, Maya Naé, Eliran Nargassi, Nataf Hirshberg and Yanky Golian, Dylan Parienty, Yaniv Persy, Ruth Philosoph, Assaf Reeb, , Katya Romantsov, Eden Saadon, Alon Shabo, Shai Shalom, Orwa Shareef, Sharon Tal, Maskit ,Rotem Shaul, Gal Shenfeld, Nadir Shoshany, Liora Taragan, Ariel Toledano, Michal Yersanesh Mangisto, Maor Zabar, Mira Zwillinger Studio
About Design Museum Holon
Progettato dall’architetto di fama mondiale Ron Arad, il Museo del Design di Holon è stato inaugurato nel marzo 2010 e si è rapidamente affermato come uno dei più interessanti sviluppi che stanno emergendo in Medio Oriente. Il museo fa parte di un’iniziativa di rigenerazione urbana che mira a trasformare la città di Holon in un centro per il design. La missione del Museo del Design di Holon si concentra sul fornire un ambiente arricchente e stimolante per i visitatori per esplorare idee di design emozionanti e coinvolgenti, principi, processi e oggetti in modo tattile e pratico. Nell’ottobre 2017, il Design Museum Holon è stato selezionato dal National Geographic Traveller come uno dei 15 musei da vedere del mondo. www.dmh.org.il
Ya’ara Keydar, storica della moda e curatrice della mostra
Ya’ara Keydar è una curatrice, docente e storica della moda, nonché dottoranda presso il Dipartimento di Studi Culturali dell’Università Ebraica. Keydar ha curato la mostra “Je T’aime, Ronit Elkabetz” al Design Museum Holon, che è stata incoronata da Vanity Fair come una delle 15 mostre più importanti del mondo nel 2018. Keydar ha conseguito un master alla NYU in ricerca curatoriale e di moda, e una laurea con lode in moda alla Shenkar. Ha fatto uno stage al Metropolitan Costume Institute, e attualmente tiene conferenze presso varie istituzioni culturali in Israele e negli Stati Uniti.
Shmuel Ben Shalom
Il designer e artista Shmuel Ben Shalom crea contenuti e concetti visivi per spot pubblicitari, video musicali ed eventi live. Ha ricoperto il ruolo di Chief Creative Director per l’Eurovision
Song Contest 2019. I primi rapporti mostrano che la trasmissione di quest’anno ha battuto i record mondiale di visualizzazioni di un evento dal vivo (oltre 200 milioni di spettatori in tutto il mondo). I media globali hanno commentato la qualità e l’originalità di molti elementi dello spettacolo. Tra i clienti che si rivolgono a Shmuel per il concetto creativo e la scenografia ci sono Dita Von Teese, Samsung, Shell, Coca-Cola, Vogue Hommes International, Nestle, PWC e Huwaii. Shmuel è il principale designer di produzione nell’industria commerciale israeliana. Come artista, ha esposto alla Galleria Rossana Orlandi di Milano, alla Galleria Pier Stotenmier di Parigi e al Museo d’Arte di Tel Aviv.
Inoltre, Shmuel ha collaborato con l’artista Yael Bartana per la sua recente mostra al Philadelphia Museum of Art.
Victor Vivi Bellaish
Nel 2000, Bellaish ha aperto il suo studio in Italia, presentando la sua prima collezione alla Settimana della Moda di Milano dello stesso anno. Nel 2006, ha deciso di lasciare l’Italia e tornare a casa in Israele, dove ha aperto un atelier di abiti da sposa a Jaffa. Lo studio è fiorito, espandendosi fino ad includere abiti da sera e facendo diventare Bellaish uno dei principali stilisti israeliani. Gli abiti di Bellaish sono ispirati dalla sua passione per l’arte e la scultura, mentre massimizzano l’uso di materiali e tecniche naturali. Per lo più freestyle e sciolto, il suo design idolatra la silhouette femminile.
Alon Shabo
Per Alon Shabo, un dessert è una creazione che combina design, artigianato e un’estetica minimalista, proprio come un abito di alta moda. Shabo impiega principi artistici come il ritmo, l’ordine e il colore per creare nuove composizioni ispirate da artisti, architetti e designer di moda. Le sculture di dessert presenti nel laboratorio di design sono state tutte realizzate a mano, comprese 23 torri di macaron fatte di più di 6.500 macaron individuali, 122 torte nuziali, torte a strati e biscotti. Shabo ha trascorso più di 1.000 ore su questo progetto per portarlo alla perfezione.
Maor Zabar
Riconosciuto a livello internazionale per aver preservato la classica professione di cappellaio, pur sovvertendone le regole tradizionali, Zabar è uno stilista esperto il cui lavoro combina umorismo e surrealismo. Le stupefacenti opere di Zabar fanno uso di materiali non convenzionali, proporzioni estreme e angoli che sfidano le leggi della gravità. L’osservazione ravvicinata dei cappelli da dessert rivela piccole formiche e altri insetti che disturbano l’immagine apparentemente dolce come lo zucchero.
Come parte finale della mostra, “La Stanza della Panna Montata e del Cappellaio Matto” presenta il lavoro del modista Maor Zabar e del pasticcere Alon Shabo.
L’esposizione è incentrata su una “torta” alta 3 metri e sessanta, sulla quale sono esposti cappelli ispirati ai dolci accanto a sculture di torri di macaroon, torte nuziali, torte a più strati e biscotti, tutti fatti a mano con 500 chili di zucchero, polvere di mandorle, cemento e polistirolo.
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